スヴェトラーノフのミャスコフスキー交響曲全集を10倍楽しむ方法？

音楽短信

Miaskovsky: Complete Symphonies
◇政治問題、事件、災害打ち続く中ではあるが、私は今しばらく音楽や学芸について語っておきたい。例によって長い（HTML記号を入れて14,000字超）が…。
【目次】

全集リリースの経緯

◇私もこの世界初のミャスコフスキー交響曲全集のリリースには翻弄された１人。スヴェトラ御大が個人的熱意から作成した全世界限定300セット限定盤が10年ほど（？）前タワーレコードにて40,000円くらいで販売されているのを、買おうかどうしようか数度逡巡したものの、そのころはまだミャスコフスキー芸術への理解も進んでおらず、「買っても聴きとおせるのか？」との疑問をぬぐうことができず、購入をあきらめたのであった。
◇その後、2001年から発売された英国OLYMPIAレーベルからの１枚ずつのリリースを購入し始めた。それぞれ聴き始めたものの、やはりまだミャスコフスキーの交響曲の晦渋な作風に慣れず、だんだんリリースそのものの間隔も空いていき、中断するぞ中断するぞと危ぶまれた末、OLYMPIAは本当に倒産したらしい。シリーズは2003年に全17集の第10集まで出たところで中断していた。
◇そして、昨年からaltoなるレーベルがOLYMPIAのライセンスを得て、第11集・第12集をリリースした。ところがどっこい、フランスワーナーからリリースされているスヴェトラーノフ・エディションから、16ＣＤで割引適用なら7,000円を切る激安価格により再び全集がリリースされたわけである。
（AmazonでMiaskovskyを検索すると１CD数千円〜１万円超のプレミア盤だらけだが。「Amazon.co.jp: miaskovsky」）
◇私もこれを入手して、10年来のミャスコフスキー交響曲との関わりがようやく決着した。そして、今にしてわかるのだが、やはりこの全集は、スヴェトラーノフとロシア連邦アカデミー交響楽団（旧ソヴィエト連邦アカデミー交響楽団USSRso）にしか制作しえない傑作だということが言える。

交響曲界の「奥の院」

◇ただし、ロシア音楽をリャードフやセルゲイ・タネーエフといったところまで偏愛している私ですら、充分に理解できたと感じられるまで数年かかった（この間に持っているＣＤを３周はしているが）くらいなので、やはり「ミャスコフスキーの交響曲」は、ロシア音楽の、あるいは交響曲界の「奥の院」であることは間違いない。基本的に、スヴェトラーノフのマーラー、グラズノフ、ラフマニノフ、スクリャービンの各交響曲全集を先に聞くことをお勧めするが、しかしこの「奥の院に入れた」時点で味わえる到達感は非常に大きい。

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方法１「交響曲から聴かない」

◇「交響曲全集」と題されているが、交響曲から聴くべきではない。OLYMPIAの全集リリースもこの点で失敗している。せっかく親しみやすい管弦楽曲が録音されているのだから、それを入門として聴くべきだ。ミャスコフスキーは、後で述べるように、特に交響曲で親しみにくい禁欲的な作風を貫いている。それに対して、管弦楽曲はより一般的な作風で書かれているので、わざわざいきなり交響曲を聴く理由はない。
◇ミャスコフスキー入門として最適な管弦楽曲は、以下のものではないか。まず、ＣＤ14・15のOp32の連作（室内管弦楽のためのセレナード、弦楽のためのシンフォニエッタ、フルート・クラリネット・ホルン・ファゴット・ハープと弦楽のための叙情小協奏曲。1928-29）★★。これは、マルティヌーの一連の協奏曲作品と近い、戦間期の新古典主義的で明快な作風の多楽章の小品（各15〜25分）。ロシア音楽の魅力の１つの要素として、独特の可愛さ（チャイコフスキーのバレエ音楽にあるような）があると思うが、この小曲集も本当に可愛らしい。もっともそういう軽い作風なので、私が愛聴していた1993年のサモイロフ盤（OLYMPIA　OCD528）の演奏の方がさらに親しみやすい。
◇単品なら、祝典序曲Op48（1939）★（誤植でOp４と表記されている。）が、風格があって美しい充実作。ここではスヴェトラーノフのたっぷりした歌い口が実に魅力的だ。また、個人的には、スラヴ狂詩曲Op71（1946）★★が傑作だと思う。単純なテーマを綿々と展開する中にロシア情緒が横溢していて、珍しく鉄琴・木琴やピアノが色調を添えることもあり、すべてのロシア音楽ファンに薦めたい。終結のダンダラダダ、ダンダラダダ、ダンダンダンダーンの変な盛り上がり方が、スヴェトラーノフにぴったり。こういう新ロマン主義的な作風は、ボリス・チャイコフスキーに引き継がれているような気がする。
◇その他、初期の交響詩「沈黙」Op９（1909-10）★や交響詩「アラスター」Op14（1912-13）★の両作も、前者はリャードフの「黙示録から」やスクリャービンを思わせ、後者はチャイコフスキーの幻想曲「フランチェスカ・ダ・リミニ」を思い起こさせる力作だと思う（安定したロマン派的作風で、暗い曲だが聴きやすい）。

方法２「番号順に聴かない」

◇全集なので、つい「27曲を番号順に」などと考えてしまいやすいが、これも失敗の元。OLYMPIA盤も今回の全集も第１番から始まっているのでなおさらである。しかし、ミャスコフスキーの第１番ハ短調Op３（1908／1921改作）は、特に第１楽章がチャイコフスキーの影響を引き摺った、ラフマニノフの「ユース・シンフォニー」をさらに肥大させたような作風なので、最初に聴くのはお薦めできない。
◇しかも、スヴェトラーノフの演奏はここでも序奏からやたらスケールが大きく（普通に聴けば単に遅いだけにも聞こえるので）、たぶんなじめない人はそこでもう嫌になってしまうだろう（ただし、第２楽章のアルカイックな美しさは、第27番までの緩徐楽章の美しさを予告している）。第１番では、1996年リリースのロジェストヴェンスキー盤（RUSSIAN REVELATION RV10069）の方がすっきりしていて聴きやすい。
Miaskovsky;Symphonies 1 & 5（画像はなぜかリーフレット中面）
◇続く第２番嬰ハ短調Op11（1911）、第３番イ短調Op15（1914）も、ミャスコフスキーの全交響曲の中で一番親しみにくい部類（スクリャービン的神秘主義の力作ではあるが）なので、番号順に聞くと傑作にたどり着く前にミャスコ嫌いになること請け合いである。
◇じゃあ、何番から聴くか。それは、ミャスコフスキーの作風変遷の時期区分に関わるので後述するが、それぞれの時期の充実作で言うなら、第５番、第18番、第20番あたりが候補になるだろうか。

方法３「短い曲から聴かない」

◇第10番が約16分、第13番が約20分、第21番が約18分、どれも単一楽章作品で、「これくらいなら聴きやすいのでは…」と思うと、思い切り裏切られる。
◇第10番へ短調Op30（1927）は、「青銅の騎士」を題材にしたR.シュトラウス張りの交響詩だが、お世辞にも聴きやすい曲とはいえない。
◇第13番変ロ短調Op36（1933）★は、ひたすら暗く難解で、アルバン・ベルクの作品に混ぜておいてもいいような、ミャスコフスキー交響曲の奥の院中の奥の院である。シベリウスの第７番同様、分かれば傑作なのは間違いないのだが。
◇第21番嬰へ短調Op51（1940）★は、ほぼ緩徐楽章だけを取り出した曲で、のっけから深遠な表情。ただし、まぎれもなく名曲なので、チャイコフスキーの悲愴やブルックナーが好きな人なら大丈夫かもしれない。

方法４「傑作から聴く」

◇単純に言って、チャイコフスキーを第５番か第６番から、ショスタコーヴィチを第５番から聴くように、傑作から聴くのがいいだろう。まずは第５番か第27番を聴きたい。
◇第５番二長調Op18（1918）★★★は、ミャスコフスキーの出世作で、初期の傑作。第１楽章がAllegretto amabileで、交響的アレグロではなく田園的に始まるのが面白いが、その中に全曲を貫くテーゼが現れる。実に堂々としたフィナーレまで全編充実した、「第５番」の番号に恥じない名交響曲である。この曲では、第１番にカップリングされていたロジェストヴェンスキーの演奏は、勢いはあるが曲を無理矢理短縮したような演奏で、スヴェトラーノフの雄大な解釈が優れている。
◇ちなみに、第５番は作曲者としては、内面的に充実した第４番ホ短調Op17（1918）★★を書き上げた後に、息抜きとして書いたといわれる。この関係は、シベリウスの第４番・第５番とよく似ている。第５番の雄大なテーゼに痺れて何回か聴き込んだ後には、渋い名曲である第４番を聴いてみるのもいいだろう。
◇第27番ハ短調Op85（1949）★★★は、いわずとしれた最後の交響曲で、ミャスコフスキーが再び純化されたチャイコフスキー的世界に還っていったことを示す名曲。第１楽章は、新ロマン主義的な「悲愴」を思わせる。第２楽章は、本当にシンプルなチャイコフスキー的なメロディーが綿々と（ブルックナー的に）展開されていく純度の高い楽章（スヴェトラーノフのアカデミー響とのアダージョ盤にも収録されていた。TRITON　DICC-26047など。）。第３楽章のフィナーレのロシア的性格とともに、ミャスコフスキーの特質をすべて含んだ名曲である。
和?Adagio
◇ただし、この全集でもalto盤でも第27番はロシア連邦時代の録音（1991-1993）として扱われているが、私が持っている1987年リリースの古いOLYMPIA盤（OCD158）と同じ録音（年次不詳。音質や楽器配置は1970年録音の第22番とよく似ている。）だと思われる。マイクが音に近すぎる感じの録音（冒頭のファゴットがホール全体に強奏で響き渡っているように聞こえる）で、妙な生々しさと空間の広がりがあるが、必ずしも良質とは言えない。90年代録音が極めてクリアで音量を上げて聴くべきなのに対して、第27番は音量を絞って聴いた方がいい。
（「ディスク紹介」http://homepage3.nifty.com/svetlanov/disc-l-m.htmに出ているZYX盤と同じ音源であれば、1980年の録音ということになる。）
◇この録音の難点が気になる場合は、2002年リリースのポリャンスキー盤（CHANDOS CHAN10025）を入手しておいて損はない。演奏はスヴェトラーノフのよりも冷たくて明晰な感じだろうか。ただ、録音がいま一つなのを差し引いてもスヴェトラーノフの純度の高い演奏はすこぶる感動的だ。
Sym 27/Con Vc/Orch
◇もう１曲、中期から選んで加えるなら、第15番ニ短調Op38（1935）★★だろうか。構成がはっきりとしていて、グラズノフの良質な部分との共通性を感じる。終楽章のちょっとマーラー的な展開も聴き応えがある。この曲には、1994年リリースのコンドラシン盤（AUDIOPHILE APL101.503）もあり、こちらも切れ味の鋭さと風格が両立した非常に優れた演奏だった。
Shostakovich: Symphony No.5 / Miaskovsky: Symphony No.15

方法５「親しみやすい曲から聴く」

◇ミャスコフスキーの正体不明の作風は、馴染めないと本当に馴染めないので、20世紀後半の前衛音楽より性質の悪いとも言われるが、それにしても、暗い曲を書けば沈鬱な作風でもやもやしてはっきりしないと文句を言われ、明るい曲を書けば体制迎合的だと非難されるのは、やや可哀想だ。「じゃあなんで、スヴェトラ御大は晩年近くにこれだけの情熱を傾けて、この全集を録音したのだ！」ということになってしまう。深遠な曲も、明快な曲もそれぞれ魅力的な曲であり、スヴェトラーノフの演奏がそのどちらも実に見事に描ききっているのが、この全集の圧倒的な魅力である。
◇ミャスコ嫌いに陥らない方策として、傑作から聴くことに加え、親しみやすい曲を偏見無しに聴くことが大事だろう。第12番ト短調作品35（1932）★★（かつて「コルホーズ」のタイトルで呼ばれたもの）や第18番ハ長調作品42（1937）★の２曲は、それぞれ「十月革命」15周年・20周年に捧げる作品とされているが、実際は新古典主義的な、しかもパロディ的な要素も強い作品である。第12番は、ストラヴィンスキーの「ペトルーシュカ」をやや穏当にした感じ、第18番は、ディズニー映画に使えそうな可愛い雰囲気の曲である。ロシアの農村を描いたような明快さとムソルグスキーに由来するだろうパロディ性は、シュニトケの多様式性や哄笑性を先取りしている。一方で、特に第12番は交響曲としての構成の重厚さもあるので、この曲はぜひしっかりと聴いておきたい。
◇そもそもソヴィエト音楽に体制迎合的というレッテルを貼ることにどれだけの意味があるだろうか。カバレフスキーやフレンニコフの「社会主義リアリズム」的作風は確かに陳腐だが、それは単に作曲家の力量の問題でもあるのではないか。少なくともミャスコフスキーがプロコフィエフやショスタコーヴィチに比べて体制に妥協的な作風だったとは全く思えない。迎合的というなら、アメリカに渡った後のコルンゴルトの映画音楽などの方がよほど「大衆迎合」的だろう（もっともあまり迎合しなかったバルトークの「悲惨」はよく知られているが）。
◇もう１組挙げれば、まず第23番イ短調作品56「交響組曲」（1941）★★が親しみやすい。３楽章形式だが「組曲」と銘打って擬中世的、東洋的な雰囲気の楽想が、ミャスコフスキーの交響曲としては色彩豊かな管弦楽法で描かれていて、楽しめる（グラズノフの組曲「中世より」や「東洋狂詩曲」、ボロディンの「韃靼人の踊り」、リャプノーフの交響詩「ハシシ」などを意識しているだろう）。
◇一方、第22番ロ短調作品54「（大祖国戦争の）交響バラード」（1941）★★★は、迫りくるナチス・ドイツ軍に対する恐怖と闘争を題材としている。といっても直接戦争描写がされるというよりは、緊迫感漂う流麗な楽想が連続して聴き応えがあるという感じの曲。ただ、第３楽章（第３部）はバンダも入って、ハチャトゥリアンのかの怪曲、交響曲第３番（交響詩曲、シンフォニヤ＝ポエマ）を思わせる雰囲気がある。
◇なお、ミャスコフスキーの楽想を理解するうえで、彼の下で学んだハチャトゥリアンから入るのは有効かもしれない。ミャスコフスキー緩徐楽章の歌いまわしの美しさは、ハチャトゥリアンの「スパルタカスとフリーギアのアダージョ」などを知っているとよくわかるし、アレグロにアクセントをつける打楽器の「ガーシャ、ガシャ、ガッシャ」という鳴らし方もそっくりだ。

方法６「作風変遷の時期区分に即して（中後期を中心に）聴く」

◇さて、この記事自体もマラソン的になってきたが、ここでミャスコフスキーの作風の変遷を整理すべく、時代区分を試みてみる。従来これに類するものは、Eric Schissel（という人）による３期区分くらいしかないようだ（少なくともWeb上には）。
「時期区分を含んだミャスコフスキー音楽の解説　The music of Nikolai Miaskovski　by renowned Miaskovski expert, Eric Schissel.http://kith.org/jimmosk/schissel.html」
その区分は、交響曲だけではなく、弦楽四重奏曲（全13曲）、ピアノソナタ（全10曲）なども考慮に入れたもので、だいたい下記のように分けているようだ。

第１期：第1次大戦まで（交響曲第３番まで）
第２期：交響曲第４番〜第13番
第３期：第14番以降（ただし、さらに区分可能）

　なお、Wikipediaの「生涯」の項目（ニコライ・ミャスコフスキー - Wikipedia）では、以下のような区分をしている。

初期：第１番〜第５番（1906−20）スクリャービンの影響
中期１：第６番〜第14番（1921−33）作曲の実験期
中期２：第15番〜第21番（1934−40）新ロマン主義への傾き
晩年：第22番〜第27番（1941−49）古典化と切り詰められた手法

◇どこで分けたかはそれぞれ理解できるが、私が交響曲だけを基準に分けるとこうなる。

前期：第１番〜第10番（1908−27）ロマン主義／神秘主義時代
中期：第11番〜第19番（1932−39）新古典主義時代
後期：第20番〜第27番（1940−49）新ロマン主義時代

「前期」（1900〜20年代）

◇「前期」が長いのが目立つが、今まで述べたように、この時期の充実作はほぼ第４・５・６番に限られる。第１番〜第３番は、スクリャービン的な神秘主義の影響が強い時期で習作的要素が残る。後に行って、第７番ロ短調作品24（1922）は、大曲第６番と平行して書かれているが、OLYMPIA盤の解説にあるように、ラヴェルの「ラ・ヴァルス」（1920）の影響をモロに受けて作曲された２楽章の小品（雰囲気が完全にそのままですがな）。
◇第８番イ長調作品26（1925）は、プロコフィエフそっくり主題の第１・２・４楽章、少数民族バシキール人（バシキール人 - Wikipedia）の音楽を取り入れた第３楽章など、個々の楽章はそれなりに面白いがまとまりがない。
◇第９番ホ短調作品28（1927）は、番号「第９番」の割にミャスコフスキー交響曲最大の凡作ではないだろうか。妙にパロディ的で軽いのは、ショスタコーヴィチの第９番を予告しているようだが、とにかくまとまりのなさが際立っている。
◇というように、第６番以降しばらくミャスコフスキーがスランプに陥ったのは間違いない。そこで第10番の後５年間は、交響曲を休んでOp32の軽快な連作などでリハビリしたわけだ（チャイコフスキーが第４番の後、管弦楽組曲４曲でリハビリしたように）。また、作品一覧によれば、この時期にプロコフィエフの交響曲第３番、シテインベルクの交響曲第３番、ムソルグスキーの交響詩「禿山の一夜」のピアノ４手編曲をしているようである（聴いてみたい…）。そして、弦楽四重奏曲の第１番〜第４番を作曲しており、この交響曲休止期間が画期だったのは間違いないだろう。
「作品一覧　COMPOSITIONS by NIKOLAI MIASKOVSKY　Internet Edition compiled by Onno van Rijenhttp://home.wanadoo.nl/ovar/miasopus.htm」
（ちなみに、全９曲のピアノソナタは、1925年の第４番と1944年の第５番の間に実に長い空白期がある。）

「中期」（1930年代）

◇それが功を奏して、第11番以降は新古典主義的な作風を安定させて、１年に１〜２作の交響曲量産期に入る（1930年代＝「中期」）。第11番変ロ短調作品34（1932）★★★が第６番以来の意欲作。第１楽章のメカニカルなアレグロ、第２楽章の現代的なフーガ？、第３楽章のプロコフィエフ的変奏曲と続き、構成として間然としたところのない名作だと思う。私は何度聴いても飽きない。第12番も同傾向だが、第13番は深刻なのは前述のとおり。
◇第14番ハ長調作品37（1933）★は、唯一の５楽章形式。パロディ的な新古典主義の楽章に、ラヴェル的な夜の音楽の第４楽章が挟まっている。（第９番のメロディーを再利用して、より明快な雰囲気にまとめて作り直した曲。）
◇第15番〜第17番は、再び４楽章形式を試みる。第15番は、例の緊密な構成とマーラー風フィナーレの曲。第16番ヘ長調作品39（1936）★は、一名「航空交響曲」。当時の航空機事故の犠牲者に捧げる葬送行進曲と自作のポピュラーソング「飛行機は空を飛ぶ」の旋律を用いたフィナーレなどで構成され、全体としては軽快な感じ。
◇第17番嬰ト短調作品41（1937）★★は、ドラマティックな充実作で、好きな人も多いようだ。正統的な４楽章形式で、いわゆる「交響曲」のイメージに最も近い作品と言える。第18番がディズニー風の可愛い３楽章。第19番変ホ長調作品46（1939）★が「吹奏楽のための交響曲」（内容的にはシンフォニエッタ）で、これをもって中期が終わる。

「後期」（1940年代）

◇さて、1940年代が「後期」となる。今まであまり触れてこなかったが、やはりこの後期がミャスコフスキーの最高潮であり、この時期の８作がなかったらおそらくスヴェトラーノフも全集を録音することはなかったのではないだろうか。
◇後期の開始を告げるのが、第20番ホ長調作品50（1940）★★★。３楽章形式で、規模は小さいが、第１楽章の流麗なアレグロ、第２楽章のアルカイックな美しさ（タネーエフ的な均整美。正に絶品!!）、第３楽章の自然的雄大さとロシア民謡的メロディーなど、第27番までを支配する後期ミャスコフスキーの特質がすべてこの曲に出揃っている（後期は第21番を除いてすべて３楽章形式。ただし、第22番は３部からなる単一楽章）。第21番は、そのアルカイックな緩徐楽章だけの単一楽章。第22番「交響バラード」、第23番「交響組曲」と、熟達した作曲家による名曲が続く。
◇第24番〜第26番は、この傾向を展開した重厚かつ雄大な大曲が並ぶ。第24番へ短調作品63（1943）★は、ウォルトンを思わせる力強い推進力を持った作品。第２楽章の雄大な歌は、さながら90年代のNHK大河ドラマのテーマ曲のように盛り上がる。
◇交響曲第25番変ニ長調作品69（1946／1949改作）★★は、第１楽章の孤高の新ロマン主義的変奏曲、第２楽章の悲しいワルツの後、第３楽章にようやくアレグロとなって突進した末、大きな回帰を迎える感動的な作品。
◇第26番ハ長調作品79★★（1948）は、「ロシアの大地を描いた」と称される作品だが、ずっしりした巨大さと繊細な流麗さが綿々と縒り合わされていくのはもはや壮観。そして、第27番ですべてが予定されていたように、この巨大な歩みが見事に完結する。
◇後期の雄大かつ繊細で神々しくも淡々とした作風には圧倒されるほかない。スヴェトラーノフは、この世界を表現するためにミャスコフフキーに取り組んだのだと思う。スヴェトラーノフとロシア連邦アカデミー交響楽団の演奏は、この大作群にぴったりと寄り添い、ひたすら丹念に造形することによって、その完成形態を十全に示すことに成功している。…というか、このコンビでなかったら、さだめし第26番など本当に退屈な作品として演奏されてしまいそうである（第26番はこの全集が世界初録音）。

方法７「地味なオーケストレーションと渋い作風に慣れる」

◇ミャスコフスキーは、本当は他のロシアの作曲家たちと同じく、親しみやすい作風で曲を書くことができる（いわゆる「社会主義リアリズム」にも、その気になればもっと同調できたはずだ）。しかし、「交響曲」に関しては、非常に禁欲的な作風、抑制したオーケストレーションを貫いている（ブラームスが４曲の交響曲で第４番第３楽章だけにトライアングルを使ったように。例外は、タイトルに示されるように、第22・23番くらいか）。打楽器、あるいはハープのような追加楽器は、本当に必要と思われるところだけに使われ、他はひたすら弦楽・木管・金管のみで終始する（曲のクライマックスであっても）。そのため作風に慣れないと奇妙に退屈な音楽に聞こえてしまう。これはむしろ、私たちが今まで聴いてきた音楽が華々しい管弦楽法を使い過ぎているのである。
◇また、確かに作風が単調に聞こえやすいのも事実で、例えば交響曲のアレグロ主題は下手をすると全部同じに聞こえてしまう。「チャチャーチャラララチャーラ、チャチャーチャラララチャーラ」というアレグロのミャスコ節は、伊福部昭のゴジラリズムみたいなもので、これなくしてはミャスコフスキーとは言えない要素であり、ひたすら繰り返される。
◇しかし、このミャスコリズムのアレグロ、ロシアの大地の広大さ、アルカイックな均整美、ロシアの祭りとパロディといった要素さえ理解すれば、この27曲の交響曲（特に中後期の17曲）が成している巨大な山脈に分け入ることができる。その入り口まで来て引き返してしまうのは実に惜しいではないか。スヴェトラーノフのマーラー全集も感動的だったが、ミャスコフスキーはある意味でそれを上回る全集なのだから。

方法８「独特のオーケストラ配置に慣れる」

◇これは、90年代のスヴェトラーノフとアカデミー交響楽団に関することだが、そのオーケストラ配置が独特である。ヴァイオリンの左右対向配置（向かって左に第１Vn、右に第２Vn）は最近ではかなり一般的で、ヴィオラが右、チェロとコントラバスが左奥、という弦楽配置は理解できるだろう。木管は普通に中央。
（チェリビダッケに言わせるとこれも「響きのことを何も知らない愚かな配置だ」そうだが。青澤唯夫『名指揮者との対話』ｐ199）
◇一番特徴的なのは、ホルンとトランペット、トロンボーン、チューバが、舞台向かって右隅にこちゃっとまとまって座るところである。どう考えてもホルンと金管群が左右に分かれた方が格好良く響きそうなものだが、スヴェトラ配置は違う。「トランペットの強奏が斜めに差し込んでくる」「ホルンとトランペットが同じ辺りで叫ぶ」という感じは慣れないとこれまた結構奇妙である。慣れれば、ホルンとトランペットのアンサンブルを重視しているのかとも思い、実際同時に叫ぶ様に魅力を感じるのだが。
◇なお、1965年録音の第３番はホルン右、金管中央奥、1970年録音の第22番はホルン右奥、金管中央奥の通常配置である。
（こんな配置のせいか、最近もリリースされたCDに左右逆盤問題があったわけである。「@niftyホームページサービス - ホームページ作成なら@niftyホームページサービスで！」）
◇なお、演奏の強弱の振幅の大きさは、以前渡邉暁雄について触れたのと同様なので、それなりの音響装置を使用する必要がある。私は、しばらく使ったAKGのK26Pのアームがポキッと折れた（アロンアルファでくっつけたが、それにしても片耳落っことしたイヤーパッドを2,100円で買った直後だったのはやるせなかった）ので、以前透明感のある響きに聞き惚れていた518DJを買おうかと思ったところ、たまたま試聴したSONYのMDR-Z500DJがとても安い上に、私の好きな原音バリバリ系の音だったので、今はあっさりSONYに乗り換えた（今聴くと、よく言われたK26Pの「低音篭り」がよく分かる）。

方法９「スヴェトラーノフの解釈の巨大さに慣れる」

◇すでに後期交響曲について述べたが、スヴェトラーノフの解釈の巨大さがあればこそ、ミャスコフスキーのやや晦渋な作風も昇華されてより美しく表現されている。第24番〜第26番などは他の指揮者・オーケストラには全く近づくことが許されない領域ではないか。個々の曲ならともかく、全集としては空前絶後のものとなるのは間違いない。あの第１番第１楽章序奏の重々しさもこうした背景からすれば当然の解釈なのだろう。
◇私は今まで聴いた限りスヴェトラーノフの作曲にはほとんど何らの評価も与えていないが、御大が作曲を通して伝えたかったほとんどのものがミャスコフスキーの後期交響曲に表現されているのではないかと想像する。もっとも以前は完全に時代遅れの作風に感じて全く面白くなかったが、ミャスコフスキーが分かってから聴くと、スヴェトラーノフの作品も実に美しく響くようだ（交響詩「広野の夜明け」、ハープと弦楽のためのロシア主題変奏曲など。ロシアンディスクRDCD11044）。
◇また当初、リリースの経緯として、「スヴェトラーノフの個人的熱意によって」というところが注目されていたので、アカデミー交響楽団の演奏があまりノっていないのではと疑ったこともあったが、よく聴き込めば全くの誤解で、ミャスコフフキーに限らずこれほど精細な演奏には滅多に出会えるものではない。
（2000年に両者が決別した事情からの類推でそう思ってしまった。「http://homepage3.nifty.com/svetlanov/expert.htm」）
◇さて、上記で私は交響曲のほぼすべての番号を挙げてコメントしてきたのだが、ミャスコフスキーの交響曲で、実は最もポピュラーかつ最も規模が大きい（60分超）第６番変ホ短調作品23（1923）★★をわざと抜かしていた（「革命」のタイトルでも知られる）。この曲には、コンドラシン盤（2005年メロディア　MELCD1000841）やネーメ・ヤルヴィ盤（2002年DG　471655-2）があって、それらには終楽章の合唱が入った形で収録されている。第１楽章のホルンアラームに象徴される、1920年代に一瞬成立したロシア・アヴァンギャルドを聴くのなら、ドライなヤルヴィ盤がお薦めである。
◇この全集録音で、スヴェトラーノフは合唱を採用していない。しかし、上記の合唱入の録音を知った上でこの演奏を聴けば、終楽章の該当箇所でトランペットが、ヴィオラが、クラリネットが、ヴァイオリンが、チェロが、ファゴットが、次々と人の声で語り出す（！）のに気づいたとき、驚愕とともに感涙を禁じえないだろう。ミャスコフスキーが描いたムソルグスキー的世界の完全な表現が現出しているといってよい。
ミヤスコフスキー:交響曲第6番

方法10「アルカイックな均整美に耽溺する」

◇さて、実に長かったこの記事もようやく終わりにたどり着いた。ここまで来てもミャスコフスキーが嫌いだという人は、おそらく存在しないだろう（ここまで読まないだろうから）。が、それでもやはりミャスコフスキーは分かりにくい…と思うなら、いっそのことアダージョ作曲家だと割り切って、第１番、第８番（バシキール）、第11番（現代フーガ風）、第17番、第20番、第21番、第24番、第25番（第１楽章）、第27番などの緩徐楽章をひたすら聴くとよいだろう。
（寿老人氏の見解とかなり一致する。「http://homepage3.nifty.com/juroujinn/works.htm」参照。私も中国思想が好きだし。）
◇このアルカイックな均整美は、個人的にはチャイコフスキーの「マンフレッド（マンフレート）交響曲」の一瞬のフィナーレや、タネーエフの序曲「オレステア」のフィナーレ、歌劇「オレステア」のデルフォイのアポロ神殿の場への前奏曲の表現との共通性を感じる。ああ、ロシアよ！　汝はなぜにかくも広く、深いのか。…と私は再び音楽の深淵に帰っていきたくなるのである。
（タネーエフの序曲は最近、私が愛聴していたロジェストヴェンスキー盤の新しいのが出た。Venezia　CDVE04311、交響曲第４番とのカップリング。)
「交響曲第4番、序曲『オレステイア』 ロジェストヴェンスキー＆モスクワ放送交響楽団 : タネーエフ（1856-1915） | HMV&BOOKS online - CDVE04311」